Programa abierto 2020

Las once conferencias fueron impartidas por Eduardo Bonito, María Langarita, Fabrizio Barozzi, Ivan Pintor, Zaida Muxí, Smiljan Radic, Hisao Suzuki, William JR Curtis, José Manuel Castanheira, Laia Torrents y Roger Aixut de Cabo San Roque, María Muñoz y Pep Ramis de MalPelo y Pep Gatell de La Fura dels Baus, todas precedidas por creaciones de videoarte del ciclo Materia Bosque II.

Además se pudieron ver imágenes y reflexiones de William JR Curtis en la serie Teatime with Champagne.

Materia Bosque II es una selección de videoarte que celebra la potencia estética y política de los árboles como seres de futuro. Los árboles son agentes de regeneración que nos informan e inspiran. Con ellos aprendemos a habitar el mundo de forma sostenible. Vivimos en el planeta de los árboles pero hemos dejado de verlos, hemos olvidado sus nombres y hemos olvidado que dependemos de ellos para sobrevivir. Ahora, en plena crisis climática, es más importante que recuperar nuestra vinculación con ellos y celebrarlos como aliados necesarios para evitar el colapso ecológico.

Es un proyecto de la Fundación Bunka con la curaduría de Eduardo Bonito e Isabel Ferreira en colaboración con LABEA – Laboratorio de Artes Vivas y Ecología.

Palabras de bienvenida

Assumpció Puig, Colegio de Arquitectos de Cataluña (COAC)

Assumpció Puig (Girona, España, 1954) es arquitecta por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona (ETSAB-UPC). Actualmente ostenta el cargo de Decana del Colegio de Arquitectos de Cataluña (COAC) y forma parte en nombre del COAC del patronato de las Fundaciones Mies van der Rohe, Docomomo Ibérico, Rafael Masó, Barcelona Centro de Diseño, Instituto Técnolocico de la Construcción, siendo miembro del Consejo Empresarial de la UPC, y del Consejo asesor del ICAEN.

El Colegio de Arquitectos de Cataluña, fundado en 1931 y heredero de la antigua Asociación de Arquitectos (1874), es una corporación de derecho público que representa a los arquitectos catalanes, impulsa la excelencia en la arquitectura y difunde sus valores, especialmente la dimensión social y cultural.

Competing for Sunlight: Oak
Austria (2017), 6 min
Dirección: Dagmar Dachauer

Oak (Roble) es una versión contemporánea de la antigua comprensión humana del roble como puerta de entrada a otras realidades. Es una serie de cortometrajes de danza que cuentan pequeñas historias en torno a diferentes especies de árboles. Dagmar Dachauer es bailarina, intérprete, coreógrafa y cineasta independiente, con sede en Bélgica y Austria. En 2015, fundó la asociación de arte Umfug, donde realiza actuaciones y proyectos cinematográficos con colaboradores procedentes de diversos entornos, como música, diseño de sonido, cinematografía, artes visuales y ecología.

Directora: Dagmar Dachauer; Coreografía y Danza: Dagmar Dachauer, Knut Vikström Precht; Cinematografía: Kilian siempre lleno; Asistente de dirección: David Mair; Asistente de cámara: Benjamin Lachower; Edición: Rudi Maerten; Sonido: Daniel Pérez Hajdu; Clasificación del color: Kilian siempre lleno; Dramaturgo: Christine Fentz; Gerente de producción: Benjamin Lachower; Productora: Dagmar Dachauer; Coproductora: Bert De Somviele, Christine Fentz; Coproducción: Secret Hotel, Dommelhof C-TAKT, BOS; Producido por: UMFUG; Apoyado por la Cancillería Federal de Austria, Estado de Alta Austria.

Materia Bosque II

Eduardo Bonito

Eduardo Bonito (São Paulo, Brasil, 1969) se ha formado en Artes Escénicas y Relaciones Públicas por la Universidad de São Paulo (USP), Brasil, y en Actuación por la Middlesex University, Reino Unido. Actualmente es uno de los directores artísticos de la Bienal de Artes del Cuerpo, Imagen y Movimiento de Madrid (BACmadrid) y desde 2005 director de Danza me Foco – Festival Internacional de Video y Danza (Brasil). Fue director artístico del festival Panorama de Río de Janeiro (2004-2013) y project manager en Artsadmin de Londres (1996-2001). Es fundador de diversas redes y consultor para instituciones y fundaciones de América Latina y Europa. Trabaja regularmente como mentor de artistas residentes en los Teatros de Canal de Madrid y de artistas residentes y participantes del Proyecto PEA en el Graner/Mercado de las Flores de Barcelona. Desde 2017 es productor creativo del colectivo danés hello!earth.

El bosque hueco de Lucía Loren
España (2004), 9 min
Dirección: Juanma Valentín, Lucía Loren

Lucía Loren realiza una serie de intervenciones en la naturaleza en las que ensalza el árbol como parte fundamental de un paisaje y su memoria. Estas intervenciones han servido de hilo conductor para que Juanma Valentín realice una videocreación que remarca los valores estéticos y culturales de un paisaje vivo. Juanma Valentín es creador audiovisual y teatral, y director de la productora Ojos de nube.

Director: Juanma Valentín; Artista: Lucia Loren; Música: Claudio Recabarren; Postproducción audiovisual: Adan Latonda_FONOFOX.

Ser parte

María Langarita

María Langarita (Zaragoza, España, 1979) es doctora arquitecta por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM-UPM), donde es profesora de proyectos. En 2005 funda junto a Víctor Navarro la oficina de arquitectura Langarita-Navarro en Madrid. Su obra ha recibido varios premios nacionales e internacionales como el Premio FAD de Arquitectura (2012), la Mención especial al arquitecto emergente del Premio Mies van der Rohe (2013) o el premio de la Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo (2013). Su trabajo ha sido seleccionado en diversas muestras como la Bienal de Arquitectura de Venecia (2014 y 2008), la Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo (2014) o la Bienal Española de Arquitectura y Urbanismo (2013 y 2011), l ‘Architekturzentrum de Viena 2014), el Royal Institute of British Architects (2013) y su obra forma parte de la colección permanente del Centro Pompidou. Su obra ha sido recogida en diversas publicaciones y cuentan con un número monográfico en la revista 2G.

Ash Dome
Reino Unido (1977-), 9:43 min
Dirección: Peter Telfer, Artista: David Nash

En febrero de 1977, se plantaron 22 fresnos en círculo con el objetivo de crear un espacio abovedado, un espacio para el siglo XXI. El filme documenta a lo largo de décadas la escultura viva “Ash Dome” (Cúpula de fresnos) de David Nash ubicada en Ffestiniog Valley en el País de Gales. David Nash es conocido por su trabajo con los árboles: “Tomo el árbol prestado, lo trabajo y después, si quiero, al cabo de un tiempo, puedo devolverlo a la tierra para que ésta lo absorba y comience de nuevo el ciclo vital”. Peter Telfer es un cineasta cuya misión ha sido conectar y documentar la escena artística en Gales. Es fundador de Culture Colony/Wladfa Newydd como espacio para compartir y desarrollar ideas para la comunidad creativa de Gales.

Director: Peter Telfer; Artista: David Nash.

Tres proyectos en Suiza

Fabrizio Barozzi

Barozzi Veiga fue fundado en 2004 en Barcelona por Fabrizio Barozzi (Rovereto, Italia, 1976) y Alberto Veiga (Santiago de Compostela, 1973). Su obra incluye el Consejo Regulador DO Ribera del Duero (2011), la Szczecin Philharmonic Hall (2014), el Bündner Kunstmuseum en Chur (2018), el Musée cantonal des Beaux-Arts Lausanne (2019) y la Tanzhaus Zürich (2019). Han sido distinguidos entre otros con el Premio AJAC Jóvenes Arquitectos de Cataluña (2007), el Premio Mies van der Rohe de Arquitectura Europea (2015), el Premio RIBA Award for International Excellence (2018) y el Premio Best Architects 20 Award (2019) . Han participado en exposiciones internacionales, entre las que destacan la Chicago Architecture Bienal (2017) y la Biennale di Venezia (2014 y 2016). Su obra se ha publicado en las monografías Barozzi Veiga (2014), en + o 535 (2015) y A-Mag (2018).

The Wind Telephone
EEUU (2016), 6 min
Dirección: Jody Stillwater
Coreografía: Nicole Klaymoon

La obra es un viaje al mundo imaginario de una niña que acaba de perder a la madre, construyendo un paisaje íntimo y atemporal donde la protagonista intenta encontrar su sitio. La compañía de Nicole Klaymoon trabaja con narrativas silenciadas por la desigualdad social para inspirar el diálogo crítico y una sociedad más sana. Los proyectos de Jody Stillwater se basan en la lógica de los sueños y en la realidad táctil, con un enfoque transformador de la semiótica visual.

Director/Editor: Jody Stillwater. Coreógrafo: Nicole Klaymoon. Productora: Lindsay Gauthier. Director de fotografía: Michael Epple. Performers: Micah Head, Rama Mahesh Hall, Amber Julian, Jon Lee, Valerie Troutt. Productor ejecutivo: Judy Flannery & Suzanne Oberlin. Post-So: Patrick Shaffer. Música original: Valerie Troutt y Kool Kyle. Partitura original: Patrick Shaffer y Jody Stillwater. Guardarropa: Jarred Garza. Dirección de producción: Lauren Finerman & Genevieve Hand. 1er asistente de dirección: Alex Irwin & Clare Schweitzer. Gaffer: Chris Galdes. Gripe: Tandy Kyne. AC: Lawrence Abad . DICHO: Ben Estabrook & Dylan Love. Sonido: Alex Irwin & Clare Schweitzer. Fotografía: Aleksey Bochkovsky. PA: Terrence Paschal & Steve Merlo. Asistente de localización: Anza Jarsche, Rewa Bush & Tom Shean. Catering: Dan Tosh. Arte escultórico: Peter Müller. Gracias a Djerassi Resident Artists Program & Margot H. Knight, Little Giant Lighting y Grip Co. y Videofax. Esta obra ha sido posible gracias a la colaboración de la Fundación Kenneth Rainin, la Fundación Zellerbach Family y la Fundación Fleischhacker.

RCR Selección 2019: El movimiento en la imagen fílmica

Ivan Pintor

Ivan Pintor Iranzo (Barcelona, España, 1975) es Doctor en Comunicación Audiovisual. Es profesor agregado del Departamento de Comunicación de la Universidad Pompeu Fabra (UPF) y ha impartido clases en universidades de Italia, Argentina y Colombia. Ha contribuido a más de una treintena de libros, entre ellos Poètiques del gest al cinema contemporani, Il Cinéma de Juliol Medem y Univers Lynch. Ha dirigido numerosos ciclos para CaixaFòrum, así como el congreso Mutaciones del gesto (UPF, 2012). Ha realizado diversas piezas audiovisuales para museos y televisión y escribe habitualmente en el suplemento Cultura/s de La Vanguardia.

Drape
Japón (2010), 2:45 min
Dirección: Toshinori Tanaka

Drape utiliza la noción de espectralidad a través de un cuerpo que está constantemente desapareciendo y reapareciendo gracias al montaje. El cuerpo es efímero, rodeado de un bosque de árboles que permanece sólido, mientras que el baile evoluciona en formas cambiantes de ausencia/presencia. Toshinori Tanaka es un cineasta que estudió en el Cavendish College de Londres y ahora actúa como profesor en la Universidad de Fukuyama y como subdirector de la organización sin ánimo de lucro iD Onomichi. Masumi Saito es artista y directora de movimiento que trabaja en teatro, cine, arte y moda.

Director: Toshinori Tanaka; Música: Haruka Nakamura; Intérprete: Masumi Saito.

RCR Selección 2019: Gravedad y algo de gracia

Smiljan Radić

Smiljan Radic Clarke (Santiago de Chile, Chile, 1965) es arquitecto por la Escuela de Arquitectura de la Pontificia Universidad Católica de Chile y el Instituto Universitario di Architettura di Venezia. En 1995 abre su propia oficina en Santiago de Chile, siempre en estrecha colaboración con la escultora Marcela Correa. Se le ha reconocido entre otros con el Premio Design Vanguard del Architectural Record (2008); el premio al Mejor Edificio Chileno de la Universidad Mayor, Chile (2013, 2015 y 2018), y el Premio Arnold W. Brunner Memorial de la Academia Americana de Artes y Letras, EE.UU. En 2009 es nombrado miembro honorario del American Institute of Architects, EE.UU. Ha impartido numerosas conferencias y su obra ha sido objeto de exposiciones en México, Argentina, España, Estados Unidos, Noruega y Austria. Sus proyectos han sido publicados en revistas de arquitectura internacionales como El Croquis, 2G, Revista Internacional de Arquitectura, a+u, ARQ, Casabella, Detail y Lotus.

Water on Asphalt
Alemania (2014), 1:25 min
Dirección: Johanna Reich

La artista está pintando con agua en la calle. Los reflejos acercan el cielo lejano y los árboles al “destructor” – el asfalto. Water on Asphalt (“Agua en el asfalto”) muestra la ambigüedad entre el progreso digital y una naturaleza que desaparece. Se convierte en un “memento mori” – una memoria virtual que refleja el dilema ecológico inminente de nuestro tiempo. Johanna Reich trabaja en el campo del vídeo arte, experimentando con diferentes medios como vídeo, fotografía e instalación. Su trabajo presta especial atención a las vídeo performances, en las que juega (literal y metafóricamente) con la cámara, engañándola y cuestionando la imagen resultante.

Artista visual, cineasta: Johanna Reich.

Fotografiar con los cinco sentidos

Hisao Suzuki

Hisao Suzuki (Yamagata, Japón, 1957) se graduó en la Escuela de Fotografía de Tokio, 1979. Fascinado por la arquitectura de Antoni Gaudí, llega en 1982 a Barcelona, donde fija su residencia. En 1986 comienza a colaborar con la revista El Croquis, y se convierte en su fotógrafo principal, contribuyendo de este modo al reconocimiento de la publicación como el medio de difusión de arquitectura contemporánea con mayor prestigio a nivel mundial. Sus fotografías se han publicado en casi todas las revistas internacionales de arquitectura y diseño, así como en numerosos libros.

Ma mère l’oye (extract)
Bélgica / Francia (2001), 5:35 min (Original 27 min.)
Dirección: Thierry De Mey:

Por encargo de la TV francesa ART, la versión televisiva de la película Ma mère l’oye (Mi madre la oca) de Thierry De Mey es un cautivador collage multidisciplinar, dirigido, bailado y filmado en los bosques que rodean Bruselas. las. La versión original realizada para ser exhibida en 3 pantallas y acompañada por una orquesta tocando la famosa obra homónima de Ravel.

Con: Radek Hewelt; Keersmaeker y Jonathan Burrows, Lieve Meeusen, Kate Mc Intosh, Eugenia De Mey, Riina Sastamoinen, Efrat Rubin, Michèle Anne De Mey, Thomas Hauert, Etienne Guilloteau y Marco Paccagnella. Director: Thierry De Mey; Música: Maurice Ravel; Cámara: Aliocha Van der Avoot Thierry de Mey; Edición: Boris Van der Avoot, Isabelle Boyer.

Selección RCR 2018: Sueño y Naturaleza. Conversación de William Curtis con RCR en la Bienal de Arquitectura de Venecia 2018

William J. R. Curtis (Birchington, Kent, Reino Unido, 1948) es historiador de arquitectura, crítico, escritor, pintor y fotógrafo. Se graduó en 1970 en el Courtland Institute of Art de la Universidad de Londres y se doctoró en 1975 en la Universidad de Harvard. Su libro “Arquitectura moderna desde 1900” (1982) es una obra de referencia de la historia y crítica de la arquitectura. Ha sido galardonado por el Comité international des criticas de architecture (1985), la Society of Architectural Historians (Estados Unidos, 1982), la Medalla de Plata de la World Architectural Biennale (1989) y la Medalla Alice David Hitchcock de la Society of Architectural Historians of Great Britain (2004).

Duet
Países Bajos (2013), 2 min
Dirección: Jacqueline Kooter

Amor lubricado… ¿juego o lucha? Jacqueline Kooter es artista visual y cineasta. Fundadora de la organización de arte STOV y miembro del consejo y curadora del espacio artístico Outline Amsterdam hasta 2000. Ella trabaja y vive en Amsterdam. Sus películas se han proyectado en múltiples festivales internacionales (de danza y cortometraje) en Europa, Estados Unidos, Hong Kong, Indonesia, Nepal, Pakistán y Japón.

Dirección, coreografía y realización: Jacqueline Kooter; Música: Eric Vloeimans y Jeroen van Vliet.

¿Dónde va el tiempo perdido?

José Manuel Castanheira

José Manuel Castanheira (Castelo Branco, Portugal, 1952) es Doctor en Arquitectura y Escenografía, y enseña en la Universidad de Arquitectura de la Universidad de Lisboa desde 1982. Su vasta obra se caracteriza por la diversidad de disciplinas que toca, principalmente Escenografía y Arquitectura teatral, Escenografía de Exposiciones y Pintura. Ha sido galardonado con premios nacionales e internacionales y ha dirigido prácticas y seminarios en festivales, universidades y otras instituciones en España, Grecia, Italia, Bélgica, Croacia, Francia, República Checa, Suiza, México, Cuba y Brasil. También es autor y consultor de proyectos arquitectónicos para teatros. Trabaja en el teatro desde 1973, con más de 300 diseños escénicos. Su obra alcanza una dimensión internacional después de su retrospectiva presentada por el Centro Georges Pompidou de París y la Fundación Gulbenkian de Lisboa. Desde 2010 es miembro de la Real Academia de Bellas Artes de España y desde 2019 miembro de la Academia de Artes Escénicas de España.

Con la colaboración de la Academia de Artes Escénicas de España

Abstracción y luz

William J.R. Curtis nos invita con este pequeño y poético ciclo a descubrir su particular mirada que mostró en la exposición Abstracción y luz en la Capilla del Palacio de Carlos V en el Conjunto Monumental de la Alhambra y Generalife del 28 septiembre al 22 noviembre de 2015 Artista, fotógrafo, historiador y crítico de arquitectura, la exposición explora maneras de ver la arquitectura y el paisaje con un énfasis particular a la luz, la geometría, el agua, el espacio y la sombra mediante una selección de obras, además de trazar un viaje de descubrimientos mediante un mundo de imágenes y formas. En Abstracción y luz, Curtis combina la lucidez histórica y la sensibilidad poética para ofrecernos una nueva visión de la Alhambra.

El catálogo bilingüe “Abstracción y Luz. Abstraction and Light” incluye una introducción de Álvaro Siza Vieira, varios textos fundamentales sobre la abstracción escritos por William J.R. Curtis, un epílogo de Juan Domingo Santos y diversas reflexiones críticas sobre el artista aportadas por varios autores, como Juhani Pallasmaa.

Waves
República Checa (2017), 3 min
Dirección: Vojtěch Domlátil

Waves es una pixelación no narrativa del paisaje checo. “Un observador, que aclara su mente y reduce el número de sus medios sólo para trabajar con el tiempo y el espacio, no sólo consigue cierto éxtasis de pixelación, sino que también, si se une a la “ola”, el camino lo absorbe por completo”. Cineasta independiente checo, animador, ilustrador, diseñador gráfico y profesor asistente en el estudio de animación de la Universidad de West Bohemia en Pilsen. En sus últimas películas se centra en los aspectos poéticos de la animación stopmotion, oscilando entre animación, documental y experimento.

Director, Diseñador, Productor: Vojtěch Domlátil.

Conferencia sobre nada arquitectura

Laia Torrents y Roger Aixut

cabosanroque es un dúo de artistas sonoros que nace de un numeroso colectivo musical formado en Barcelona en 2001. A caballo entre las artes plásticas y escénicas, y la música experimental, su trabajo gira en torno a las capacidades performativas de la máquina, el objeto y el sonido. Desde 2015 son artistas residentes en la Fundación Lluís Coromina, en Banyoles. cabosanroque son Laia Torrents (Vic, España, 1976) licenciada en Ingeniería Superior Industrial por la UPC y estudios superiores de Composición, Armonía y Arreglos, y Roger Aixut (Barcelona, España, 1975) licenciado en Arquitectura, UPC.

Espejos de la imaginación

La secuencia titulada Espejos de la imaginación se centra en las atmósferas de la Alhambra evocando el espíritu del lugar, las superficies de agua reflectantes, la luz sublime y las sombras misteriosas. Como espejos de la imaginación, sus obras reflejan mares interiores de la mente. Si hay semejanzas entre las pinturas y las fotografías se debe a que provienen del mismo mundo interior, de los mismos modelos de pensamiento. Estas estructuras mentales influyen tanto en la percepción como en la creación de formas. Sus obras de diversas técnicas reflejan una forma congruente de mirar las cosas. La abstracción es lo que tienen en común.

Recuerdos y resonancias

Descritos como “paisajes mentales”, sus cuadros y dibujos abstractos sugieren muchas realidades y sin embargo no pueden vincularse a ningún tema en particular; siempre resultan ambiguos. Hay un énfasis marcado en los materiales, pero el objetivo es explorar lo inmaterial. Estas obras sugieren los estratos, los niveles, las huellas y la atmósfera del paisaje, a la vez que evocan cierto espíritu invisible; a su vez, llegan a los rincones ocultos de la memoria y la imaginación.

Dibujos

A lo largo de los años, William Curtis ha recogido sus impresiones y observaciones de viaje en pequeños cuadernos portátiles. Sus esbozos registran los sitios visitados y los lugares vistos, pero también penetran en las cualidades esenciales de los edificios experimentados.

Ver los dibujos de William Curtis: https://pkk942.wixsite.com/williamcurtis/drawings

Microcosmos

La abstracción puede proporcionar una forma de condensar significados complejos en una forma aparentemente simple. Permite explorar realidades ocultas más allá de las características superficiales del mundo visible. Las obras de Curtis destilan sus impresiones de la “naturaleza” en el sentido más amplio, a la vez que evocan recuerdos y temas míticos. A veces se refieren a los misterios del agua, la geología, la luz y el paisaje.

Ver la colección de pinturas Microcosmos de William Curtis https://pkk942.wixsite.com/williamcurtis/microcosms

El paraíso de Nunca Jamás
España (2013), 4:16 min
Dirección: Yago de Mateu

Hay espacios mágicos y seres extraordinarios con el poder arrebatador capaz de cambiar el curso de la vida de abrirnos los ojos y otorgarnos una nueva mirada limpia con la que volar sin miedo a través de la ventana hacia la segunda estrella en la derecha y todo recto hasta el amanecer… Yago de Mateo se dedica a la creación artística audiovisual. De perfil multidisciplinar y formado en ilustración, diseño gráfico, montaje y edición de vídeo, se vuelca hacia la investigación del cuerpo en el espacio. Desde la perspectiva de la danza y la videocreación, de Mateu explora los lenguajes y disciplinas de la performance, el teatro de calle, la instalación sonora y lumínica y participa en numerosas intervenciones en espacios urbanos y naturales.

Director: Yago de Mateo; Artista: Cristina Omecanya.

Cuando llega el silencio

Pep Ramis y María Muñoz

Pep Ramis (Manacor, España, 1962) es director de escena y bailarín-actor. María Muñoz (Valencia, España, 1963) es coreógrafa y bailarina. En 1989 forman el grupo de creación Mal Pelo con espectáculos como L’animal a l’esquena (2001), En el silenci (2003), BACH (2004) y The Mountain, Truth and Paradise  (2017). Mal Pelo ha recibido, entre otros, el Premio Nacional de Danza 2002 otorgado por la Generalitat de Catalunya y el Premio Nacional de Danza 2009. En 2001 impulsan L’animal a l’esquena, un centro de creación e intercambio multidisciplinar para la experimentación y el intercambio de ideas y experiencias entre directores de escena, músicos, videoartistas, teóricos y bailarines en una masía de 19 hectáreas en Celrà, Girona.

Transformaciones de la luz

Las fotografías de Curtis no son meros registros de sus largos viajes, son también interpretaciones poéticas de sitios visitados y lugares vistos y experimentados. Al igual que sus pinturas y dibujos, la estructura abstracta tiene un papel esencial en sus imágenes. Sus fotografías usan de forma evocadora la luz y la sombra y sugieren espacios para la meditación. Curtis ha escrito: “Una fotografía depende del ángulo elegido, pero también está influida por nuestros filtros intuitivos, por nuestra forma de ver; registra ciertos hechos del mundo exterior, pero responde también a una configuración interior. El fotógrafo se guía casi inconscientemente por recuerdos y sueños, por estructuras formales y por las imágenes preferidas. La fotografía puede dar forma a una visión del mundo; invita a la reflexión sobre la ambigüedad.

Palabras de clausura

Miquel Molins, Fundación Banco Sabadell

Miquel Molins Nubiola (Barcelona, España, ​​1953) es doctor en Historia y Teoría del Arte Contemporáneo. Actualmente es presidente de la Fundación Banc Sabadell. Ha sido profesor de las escuelas Eina y Massana de Barcelona y director de tesis del Máster Metrópolis de la Universidad Politécnica de Cataluña, fue visiting profesor en el Arte History, Theory and Criticism. ) y hasta 2017 ha sido profesor de Teoría y Arte Contemporáneo de la Universidad Autónoma de Barcelona. Ha dirigido el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona y fue conservador de la Fundació Miró de Barcelona. Ha comisariado varias exposiciones en España y en el extranjero. Ha publicado varios ensayos sobre crítica y arte moderno y contemporáneo en publicaciones y prensa especializada.

La Fundación Banco Sabadell se constituyó como fundación privada en 1994 con el propósito de estimular la excelencia y promover el saber y la cultura. El objetivo de la Fundación es promover actividades de divulgación, formación e investigación en los ámbitos educativo, científico y cultural, así como fomentar y apoyar al talento joven. Se ha consolidado como organizadora de los prestigiosos galardones Premio Fundación Banco Sabadell a la Investigación Biomédica, a la Investigación Económica ya las Ciencias e Ingeniería.

Cinere
España (2016), 3:16 min
Dirección: Nuria Mosqueira

Cinere nos sitúa en una montaña quemada por la ola de incendios del verano de 2015 en Galicia. Desde una visión poética muestra la tierra en cenizas y la contrapone a una mirada soñada o imaginada que nos deja ver, allí en el horizonte, lo que quizás hubo o nos gustaría alcanzar. Un fragmento que, como paisaje, podríamos escoger para pintarlo y contemplarlo. Pero la realidad asola los campos y sólo quedan unas manos que intentan recuperar un bosque imaginado, jugando con pequeñas flores y ramas que el incendio dejó como restos. Nuria Mosqueira es una artista multidisciplinar que basa su práctica en la exploración de contextos cercanos que provocan un choque, extrañamientos frente a un mundo en constante fractura. Busca reconstruir, mostrar heridas para intentar curarlas, así como cuestionar toda visión hegemónica frente a estas realidades.

Artista visual, cineasta: Nuria Mosqueira.

Camuflaje arquitectónico

Pep Gatell

El enfoque interdisciplinario de La Fura dels Baus ha llevado a amalgamar lo ritual y atávico con lo hipertecnológico en la escena: desde las primeras propuestas fureras de impacto, pasando por ceremonias olímpicas, escenificaciones de ópera o producciones online. Desde 1979, la compañía también estudia las metodologías de creación del colectivo y la consolidación de nuevos discursos escénicos. La capacidad de riesgo y contagio creativo ha proporcionado a La Fura un amplio reconocimiento internacional, tanto a nivel de público como de crítica, así como en la investigación académica. Pep Gatell (Barcelona, ​​1958) participó en la creación e interpretación de los primeros espectáculos de la compañía que la consolidaron internacionalmente, creando el lenguaje furero: el método de creación colectiva basado en la fricción. Es el presidente de la Fundación Épica, con quien La Fura proyecta su solvencia creativa y el éxito de su método a través de un centro que reúne aprendizaje y experiencia.