Programa abierto 2019

El tema de la edición 2019 ha sido el movimiento.

Las diez conferencias han sido impartidas por Jaume Mayol, José María Mallarach, Fernando Adrià, Sara de Giles, Bibiana Puigdefábregas, Benoît Decron, Iván Pintor, Hisao Suzuki, Eduardo Bonito y Smiljan Radić, todas precedidas por creaciones de videoarte del ciclo Materia Bosque.

Materia Bosque es una selección de once obras de videodanza y videoarte que exploran la potencia estética del bosque a través del cuerpo, la imagen y el movimiento. La idea de Materia Bosque surge inspirada en la vinculación íntima que la obra de RCR Arquitectes tiene con los árboles como materia prima de construcción de espacios de vida. El árbol es un elemento esencial del paisaje que, además, nos regala sombra, alimento, medicina, leña, madera, paz y futuro; pero si aprendemos a mirarlo, se convierte en otro ser vivo con el que compartimos territorio, colaboramos, dialogamos y bailamos.

Agradecimientos a REDIV – Red Iberoamericana de videodanza, Danza me Foco, Fiver, Simon Whitehead, Brisa MP, ya todos los invitados de las conferencias del Programa Abierto 2019 que han inspirado la selección.

Gravity of Center
Canadá (2011), 13 min
Dirección: Thibaut Duverneix y Víctor Quijada
Coreografía: Víctor Quijada

El espacio de naturaleza y el espacio arquitectónico conviven en Gravity of Center como universos paralelos que simbolizan el conflicto entre la asimilación social y la necesidad de individualismo; la dicotomía entre abundancia y escasez, y la mentalidad de manada versus la mentalidad de rebaño.

Concepto, dirección y edición: Thibaut Duverneix y Victor Quijada. Coreografía: Victor Quijada. Dirección de fotografía: Christophe Collette. Música y diseño de sonido:  Jasper Gahunia. Bailarines: Elon Höglun, Emmanuelle LePhan, Daniel Mayo, Anne Plamondon, Victor Quijada. Coproducción de Natalie Galazka, Sach Baylin-Stern, el grupo RUBBERBANDance y ANTLER Films, con el apoyo de BravoFACT, Canada Council for the Arts, Sociedad de la Plaza de las Artes de Montreal, y Conseil de las artes et de las lettres du Québec.

Estática. Elogio de la lentitud

Jaume Mayol

TEd’A arquitectes fue fundado por Irene Pérez Piferrer (Barcelona, España, 1976) y Jaume Mayol Amengual (Mallorca, España, 1976), arquitectos por la Escuela de Arquitectura de Vallès (ETSAV-UPC). Jaume Mayol es doctor arquitecto por la Universidad Politécnica de Catalunya. Han sido jurado y profesores visitantes en diversas universidades, entre ellas Cornell, la Academia di Architettura di Mendrisio, la Escuela de Arte Kingston en Londres, la KTH Estocolmo y la TU Munich. Actualmente están enseñando en la Fakultät für Architektur TU Graz (Austria) y en la Stuttgart Universität (Alemania). Su obra se expuso en el Pabellón de España en la Bienal de Arquitectura de Venecia 2016, en el Pabellón catalán-balear en la Bienal de Arquitectura de Venecia de 2012 y en la exposición itinerante ‘Matería sensible: Jóvenes arquitectos catalanes 2010- 2012’.

Four Solos in the Wild
Reino Unido (2016), 18 min
Direccin: Ray Jacobs
Coreografía: Mervyn Bradley, Erika Juniper, Graham Busby y Andrew Kelly

La verdad y la profundidad en el arte a menudo son evocadas por artistas no profesionales. Los intérpretes Mervyn Bradley, Erika Juniper, Graham Busby y Andrew Kelly pasaron dos semanas en el bosque de Tycanol en Gales y, a partir de esta experiencia, crearon cuatro solos de danza donde juegan con sus límites físicos y perceptivos por entregarse a una absoluta simbiosis con la naturaleza. Es un proyecto realizado con Arty Party, una asociación que trabaja con adultos con diversidad funcional de aprendizaje para explorar, expresar y celebrar su creatividad.

Intérpretes solistas: Mervyn Bradley, Erika Juniper, Graham Busby y Andrew Kelly. Performers del proyecto: Chloe Shepherd, Dean Warburton, Georgie Dawson. Apoyo creación: Anna Belyavin, Fran O’Boyle, Tara Rutter. Mentora coreográfica: Rachel Liggitt. Música: Deuair. Diseño sonido: Jonah Brody. Facilitador de residencia: Simon Whitehead. Vestuario y diseño: Wren Miller. Abastecimiento: Drew Robertson Jacobs. Asistente de cámara: Callum Barre. Director de fotografía: Jonathan Tritton. Edición: Jonathan Tritton y Ray Jacobs. Mezcladores de doblaje: Andrew Wilson y Rob Edwards. Fotografía: Chris Nash y Ray Jacobs. Dirigida por Ray Jacobs. Producido por Arty Party.

El movimiento de la vida: Respetar y restaurar el flujo del entorno natural

Josep Maria Mallarach

Josep Maria Mallarach (Olot, España, 1955) fue el primer director del Parque Natural de la Zona Volcánica de la Garrotxa (1985-1991) y coordinó con Josep Germain la primera evaluación del sistema de espacios protegidos de Cataluña (2001-2003) . Forma parte del Grupo de Trabajo de evaluación de la efectividad de la gestión de espacios protegidos de la Comisión Mundial de Áreas Protegidas de la IUCN. Redactó el capítulo de evaluación del Plan de Acción de los Espacios Naturales Protegidos de España (2002) y la primera evaluación (2007). Desde 2001 dirige el máster de espacios naturales protegidos de las universidades Autónoma de Madrid, Complutense y de Alcalá de Henares. Ha publicado seis libros y numerosos artículos. Es fundador de la asociación Silene para estudiar, divulgar y promover el patrimonio espiritual y cultural inmaterial y sus valores inherentes, especialmente en lo que se refiere a la Naturaleza.

One Floor Above, They Sing Until Someone Swims With Dolphins
Rusia (2017), 10 min
Dirección y coreografía: Vik Laschenov

Los héroes de esta fábula contemporánea trabajan en grandes corporaciones. Son exitosos y elegantes, pero parecen infelices. Están intentando dar sentido a su vida y, casi de forma inconsciente, acaban escapando al bosque tratado aquí como un espacio donde todo es posible. El vídeo arte “One floor above they sing until someone swims with dolphins” utiliza la ironía, las paradojas y la nostalgia para acompañar esta búsqueda. Vik Laschenov ha estudiado cine y danza y trabaja con la cultura de masas, el pop, el kitsch y la estética del error.

Director y guionista: Vik Laschenov. Bailarines: Alexey Kirsanov, Vladimir Ermachenkov, Emil Agaev, Yuri Kordas, Alexey Tsurkan, Alexandr Margorin, Roman Finogeev, Boris Borisov, Vasil Korneev, Konstantin Kuzmin, Andrey Glazov, Pavel Smirnov, Iliya Silaev, Ivan. · Sonido (música): Vik Laschenov. Cuarto: Nikita Lychev, Sergei Kuznetsov, Lena Artemenko, Alexey Kurbatov, Vik Laschenov. Editor y productor: Vik Laschenov.

Comprender la innovación

Ferran Adrià

Ferran Adrià Acosta (Hospitalet de Llobregat, España, 1962) comienza en 1980 como lavavajillas en el hotel Playafels de Castelldefels, donde se familiariza con las técnicas culinarias básicas. En 1982 ingresa en el prestigioso restaurante Finisterre. En verano de 1983 pasa su mes de permiso del servicio militar en el restaurante de Cala Montjoi donde entra como jefe de partida en 1984 hasta su nombramiento por el director, Juli Soler, como jefe de cocina en tándem con Christian Lutaud. En 1986 pasa a convertirse en chef único de elBulli. A partir de 1987, Ferran decide proponer su propia forma de ver la cocina. Hasta 1993, este “estilo mediterráneo” marca la cocina de elBulli. En 1990 nace elBulli S.L., sociedad formada por Juli Soler y Ferran Adrià. Aparecen una serie de nuevos conceptos, elaboraciones, técnicas y formatos de servicio que preparan el camino al cambio que se producirá de forma incontestable en 1994. En 2000 se crea elBullitaller, en la calle Portaferrissa de Barcelona, ​​y se establece un nuevo modelo de creatividad. En 2011 elBullirestaurante cierra sus puertas para transformarse en elBullifoundation en 2013, fundación privada de estructura familiar promovida por Ferran Adrià y Juli Soler.

Degrau em grau
Portugal (2015), 8 min
Dirección: Hugo França
Coreografía: Carolina Rocha

Las islas Azores es el territorio que han escogido Hugo Francia y Carolina Rocha para crear esta obra que transita de forma intermitente entre los artificios de la arquitectura y los espacios de naturaleza que los soportan. En la obra, los creadores nos animan a experimentar la isla en la que nacieron ya someternos a sus juegos de formas y perspectivas. En Degrau me grado el cuerpo, la arquitectura y la naturaleza se convierten en puentes entre el cielo y la tierra. Son lugares reales que se transforman en mundos paralelos desprovistos de narrativa pero llenos de utopía, espontaneidad y libertad.

Dirección: Hugo Francia. Coreografía e interpretación: Carolina Rocha.

Espacios de relación, movimiento y conexión

Sara de Giles

Sara de Giles Dubois (Sevilla, España, 1972) es doctora arquitecta por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Sevilla (ETSAS), donde es profesora asociada en el Departamento de Proyectos Arquitectónicos. Desde 1998 es socia de José Morales Sánchez, quien funda el estudio en 1987 con Juan González Mariscal. En 2004 el estudio se consolida bajo la denominación Morales de Giles Arquitectos SL. Su obra ha sido reconocida con numerosos premios nacionales e internacionales y expuesta en la Bienal de Arquitectura de Venecia (2000, 2002 y 2006); en la exposición “On Site: Nueva arquitectura en España” en el MoMA; y en la Bienal de Arquitectura Española (1997, 1999, 2001, 2007 y 2009). Han dirigido talleres en universidades como la Universidad IUAV de Venecia, la TU Berlin, la Universidad de Texas, la London Metropolitan School, la Universidad Católica de Santiago de Chile, entre otros.

Outside In
Suecia (2011), 10 min
Dirección: Tove Skeidsvoll i Petrus Sjövik
Coreografía: Tove Skeidsvoll

¿Qué es real y qué es escénico? La interpretación impecable de Tove Skeidsvoll en “Outside In” demuestra que la verosimilitud de un cuerpo performático puede contagiar el espacio escénico convirtiéndolo en real. En la obra, el bosque actúa como espacio inductor de sueños y el ser que lo habita deberá usar la fuerza de la imaginación para superar todo tipo de interferencias y seguir su camino. La película es una colaboración de la bailarina y coreógrafa con el fotografo Petrus Sjövik y fue grabada en Norrlands-Operan en Umeå, Suecia.

Concepto, guión y dirección: Tove Skeidsvoll & Petrus Sjövik. Coreografía: Tove Skeidsvoll. Director de fotografía: Peter Sjövik. Edición: Nils Moström. Interpretación: Tove Skeidsvoll. Música: Johannes Burström. Producido por Norrlands Operan en colaboración con Film y Västernorrland.

El espacio lúdico

Bibiana Puigdefábregas

Bibiana Puigdefàbregas i Sagristà (Sant Pol de Mar, Barcelona, España, ​​1972) es licenciada en arte dramático, en la especialidad de escenografía, por el Instituto del Teatro de la Diputación de Barcelona, ​​y ha cursado estudios de arquitectura en la Universidad Politécnica de Cataluña. Trabaja desde 1998 como escenógrafa profesional. Ha realizado la escenografía de varios espectáculos dirigidos por Àlex Rigola y ha trabajado con el director de escena Ramón Simó. Ha colaborado con la autora y directora Carol López y con directores de escena como Josep Maria Mestres, Magda Puyo, Rafel Duran, Mario Gas o Sven Eric Bechtolf o Xicu Masó. Desde 2007 es profesora de diseño escénico del Institut del Teatre, donde ha sido jefe de especialidad de escenografía de 2013 a 2017. Ha impartido cursos en el Teatro San Martín de Buenos Aires (2006) o la Universidad del País Vasco (2007, 2008, 2010 y 2011) y publicado el artículo “Landscape as the Backgroud for Scenic Art” en la revista Theatre and Performance Design editada por la Cuadrienal de Praga (2016).

Motus Gravis
Italia (2013), 1 min
Dirección: Michele Ragni

Dirección y edición Michele Ragni. Música original: Andrea Rellini, violonchelo. Interpretación: La Naturaleza.

Concrescence
Canadá (2017), 2 min
Dirección: Dan Browne

Dos obras cortas que, juntas, hablan de la gracia y la elegancia del movimiento del mundo. “Motus Gravis”, del realizador italiano Michele Ragni, es un videoarte de 60 segundos que capta la danza hipnótica y sofisticada de los árboles. Por su parte, en “Concrescence” Dan Browne consigue, a partir del collage en movimiento, resaltar el brillo de los colores oscuros de la naturaleza invernal. Michele Ragni es un vídeo artista italiano con amplia trayectoria en la creación de videodanza. Dan Browne es un videoasta y artista multimedia que explora los patrones de la naturaleza a través de formas cinéticas y densas.

Arte en movimiento: Pierre Soulages

Benoît Decron

Benoît Decron (1959) fue conservador jefe del Museo de la Abadía de Sainte-Croix en Les Sables-d’Olonne, Francia, de 1997 a 2009. Ha publicado libros y artículos sobre Peter Saul, François Rouan, Marc Desgrandchamps y Philipe Cognée, Carlo Zinelli, Emil Nolde, Gaston Chaissac, Jean Dubuffet, y sobre la correspondencia Chaissac-Jakovski. Actualmente es director del Museo Soulages en Rodez, Francia, ciudad natal de Pierre Soulages, el artista francés vive más cotizado, conocido por la radicalidad de su pintura abstracta. Decron custodia la colección permanente del artista, con una veintena de óleos sobre lienzo, realizados entre 1940 y 1970, y un centenar de obras utilizando la técnica de la impresión.

The Wind Telephone
EEUU (2016), 6 min
Dirección: Jody Stillwater
Coreografía: Nicole Klaymoon

La obra es un viaje al mundo imaginario de una niña que acaba de perder a la madre, construyendo un paisaje íntimo y atemporal donde la protagonista intenta encontrar su sitio. La compañía de Nicole Klaymoon trabaja con narrativas silenciadas por la desigualdad social para inspirar el diálogo crítico y una sociedad más sana. Los proyectos de Jody Stillwater se basan en la lógica de los sueños y en la realidad táctil, con un enfoque transformador de la semiótica visual.

Director/Editor: Jody Stillwater. Coreógrafo: Nicole Klaymoon. Productora: Lindsay Gauthier. Director de fotografía: Michael Epple. Performers: Micah Head, Rama Mahesh Hall, Amber Julian, Jon Lee, Valerie Troutt. Productor ejecutivo: Judy Flannery & Suzanne Oberlin. Post-So: Patrick Shaffer. Música original: Valerie Troutt y Kool Kyle. Partitura original: Patrick Shaffer y Jody Stillwater. Guardarropa: Jarred Garza. Dirección de producción: Lauren Finerman & Genevieve Hand. 1er asistente de dirección: Alex Irwin & Clare Schweitzer. Gaffer: Chris Galdes. Gripe: Tandy Kyne. AC: Lawrence Abad . DICHO: Ben Estabrook & Dylan Love. Sonido: Alex Irwin & Clare Schweitzer. Fotografía: Aleksey Bochkovsky. PA: Terrence Paschal & Steve Merlo. Asistente de localización: Anza Jarsche, Rewa Bush & Tom Shean. Catering: Dan Tosh. Arte escultórico: Peter Müller. Gracias a Djerassi Resident Artists Program & Margot H. Knight, Little Giant Lighting y Grip Co. y Videofax. Esta obra ha sido posible gracias a la colaboración de la Fundación Kenneth Rainin, la Fundación Zellerbach Family y la Fundación Fleischhacker.

El movimiento en la imagen fílmica

Ivan Pintor

Ivan Pintor Iranzo (Barcelona,España, 1975) es Doctor en Comunicación Audiovisual. Es profesor agregado del Departamento de Comunicación de la Universidad Pompeu Fabra (UPF) y ha impartido clases en universidades de Italia, Argentina y Colombia. Ha contribuido a más de una treintena de libros, entre ellos Poéticas del gesto en el cine contemporáneo, Il Cinéma de Julio Medem y Univers Lynch. Ha dirigido numerosos ciclos para CaixaFòrum, así como el congreso Mutaciones del gesto (UPF, 2012). Ha realizado diversas piezas audiovisuales para museos y televisión y escribe habitualmente en el suplemento Cultura/s de La Vanguardia.

Materia – Substance
Brasil (2012), 9 min
Dirección: Allison Moore
Coreografía: Aline Bernardi

Materia – Substance es un poema visual realizado a partir del estudio coreográfico de las poesías del poeta brasileño Manoel de Barros. Dirigida por el artista Allison Moore, con textos y coreografía de Aline Bernardi, la obra investiga los juegos de escala y perspectiva del paisaje mostrando cómo nuestros sentidos de distancia y proporción cambian en espacios de naturaleza. Materia – Substance es el fruto de un programa de colaboración internacional realizado durante una residencia en una Eco Villa en Brasil.

Guión y concepción: Aline Bernardi y Allison Moore. Dirección, fotografía y edicción: Allison Moore. Performance, texto y coreografía: Aline Bernardi. Grabaciones de sonido: Fernando Godoy. Edición de sonido: Allison Moore. Agradecimientos: Luis Bernardo Guzmin, Domingos Guimaraes y Jairo dos Santos. Producido durante la Residencia Artística Interacciones Urbano-Rural (2012) en el Eco Vila Terra Una, Minas Gerais, Brasil.

Fotografiar con los cinco sentidos

Hisao Suzuki

Hisao Suzuki (Yamagata, Japón, 1957) se graduó en la Escuela de Fotografía de Tokio, 1979. Fascinado por la arquitectura de Antoni Gaudí, llega en 1982 a Barcelona, donde fija su residencia. En 1986 comienza a colaborar con la revista El Croquis, y se convierte en su fotógrafo principal, contribuyendo de este modo al reconocimiento de la publicación como el medio de difusión de arquitectura contemporánea con mayor prestigio a nivel mundial. Sus fotografías se han publicado en casi todas las revistas internacionales de arquitectura y diseño, así como en numerosos libros.

Zenit
España (2018), 3 min
Dirección: Derek Pedrós
Coreografía: Daniel Morales

La palabra “Zenit” proviene de la expresión árabe “rumbo, dirección” y, en la videodanza de Derek Pedrós, la dirección del intérprete, y de los árboles que le rodean, siempre apunta al cielo. En el bosque para crecer alto hay que estar arraigado. Daniel Morales es un bailarín y coreógrafo formado en Danzas Urbanas que ha desarrollado su lenguaje propio a través de la exploración en la danza contemporánea. Por su parte, el director Derek Pedrós es fotógrafo y autor de varios videodanzas con escenarios naturales de gran belleza.

Director y Cámara: Derek Pedrós. Coreógrafo y bailarín: Daniel Morales. Efectos de sonido: fonotecadecanarias.org. En colaboración con el Cabildo de Tenerife.

Materia Bosque

Eduardo Bonito

Eduardo Bonito (São Paulo, Brasil, 1969) se ha formado en Artes Escénicas y Relaciones Públicas por la Universidad de São Paulo (USP), Brasil, y en Actuación por la Middlesex University, Reino Unido. Actualmente es uno de los directores artísticos de la Bienal de Artes del Cuerpo, Imagen y Movimiento de Madrid (BACmadrid) y desde 2005 director de Danza me Foco – Festival Internacional de Video y Danza (Brasil). Fue director artístico del festival Panorama de Río de Janeiro (2004-2013) y project manager en Artsadmin de Londres (1996-2001). Es fundador de diversas redes y consultor para instituciones y fundaciones de América Latina y Europa. Trabaja regularmente como mentor de artistas residentes en los Teatros de Canal de Madrid y de artistas residentes y participantes del Proyecto PEA en el Graner/Mercat de Flors de Barcelona. Desde 2017 es productor creativo del colectivo danés hello!earth.

Fase
Bélgica (2002), extracto de 15 min
Dirección: Thierry de Mey
Coreografía: Anne Teresa De Keersmaeker

“Fase” es la adaptación a la pantalla de “Fase, Four Movements to the Music of Steve Reich”, dirigida por el cineasta y músico Thierry de Mey veinte años después de su estreno en los escenarios. De Keersmaeker invoca la fuerza performativa de la obra minimalista de Steven Reich y dibuja con sus pies la rosa que sirvió de inspiración para el nombre de su compañía. Materia Bosque muestra “Violin Phase”, una de las cuatro fases de la obra filmadas por De Mey.

Coreografía: Anne Teresa De Keersmaeker. Intérprete: Anne Teresa De Keersmaeker con apoyo de Michèle Anne De Mey en la creación. Anne Teresa De Keersmaeker y Tale Dolven desde finales de los años noventa; Cynthia Loemij y Tale Dolven de forma alternativa. Música: Steve Reich (Piano Phase, Violin Phase, Come Out, y Clapping Music, interpretadas por Edmund Niemann y Nurit Tilles en el piano, y Shem Guibbory en el violonchelo. Luz: Remon Fromont y Mark Schwentner. Vestuario: Martine André y Anne Teresa De Keersmaeker Producción: Schaamte (Diseño) y Compagnie Roses & De Munt La Monnaie Producción: Avila, Sophimages, en coproducción con Roses, NPS, ART France, RTBF Brugge 2002, La Monnaie y en colaboración con La Loterie nationale, VRT, CSals .

Gravedad y algo de gracia

Smiljan Radić

Smiljan Radic Clarke (Santiago de Chile, Chile, 1965) es arquitecto por la Escuela de Arquitectura de la Pontificia Universidad Católica de Chile y el Instituto Universitario di Architettura di Venezia. En 1995 abre su propia oficina en Santiago de Chile, siempre en estrecha colaboración con la escultora Marcela Correa. Se le ha reconocido entre otros con el Premio Design Vanguard del Architectural Record (2008); el premio al Mejor Edificio Chileno de la Universidad Mayor, Chile (2013, 2015 y 2018), el Premio Oris, Croacia (2015) y el Premio Arnold W. Brunner Memorial de la Academia Americana de Artes y Letras, EE.UU. En 2009 es nombrado miembro honorario del American Institute of Architects, EE.UU. Ha impartido numerosas conferencias y su obra ha sido objeto de exposiciones en México, Argentina, España, Estados Unidos, Noruega y Austria. Sus proyectos han sido publicados en revistas de arquitectura internacionales como El Croquis, 2G, Revista Internacional de Arquitectura, a+u, ARQ, Casabella, Detail, Lotus y Cuadernos de Arquitectura y Urbanismo.